Hace cosa de dos meses me he mudado a Barcelona por trabajo. En ese tiempo, he dedicado parte de mi tiempo libre a visitar los museos de Arte que hay por aquí, y son bastantes. En todos ellos, la parte correspondiente a la fotografía me deja un sabor agridulce. Quédate y te cuento por qué.
Un Poco de Historia
Desde los inicios de los hombres, ha existido el arte. Quizá no el Arte, así con mayúscula, pero sí unas primeras manifestaciones rudimentarias, como son las pinturas rupestres o los petroglifos.
Estas manifestaciones, tenían una finalidad religiosa, y estaban ligadas al estilo de vida de los hombres que las utilizaban. Es decir, ellos realmente creían que si pintaban un antílope, llegarían a cazarlo.
Años después, llegaríamos al Renacimiento, a mi parecer, una de las épocas más doradas del Arte con mayúscula. Que se utiliza para transmitir al pueblo, en su mayoría analfabeto, las historias de la Biblia, las leyendas populares (David y Goliat), y otros menesteres.
¿Conseguís ver la relación? El arte hasta este punto, siempre ha sido por y para la gente, para el público, para el pueblo.
¿Y Qué Pasa Hoy En Día?
Vivimos una época artística que la historia conocerá como “Neobarroco Posmoderno“. Un título que, tristemente, le viene al pelo.
Seguro que alguna vez has entrado en un museo de arte contemporáneo y te has quedado con la sensación de oír campanas y no saber dónde. Esto es exactamente a lo que me refiero.
El museo ha pasado de ser una entidad contenedora de obras de arte, a ser una entidad legitimadora de obras de arte. ¿Y qué es lo que esto significa? Que cualquier objeto, que cruce las puertas de un museo, y vaya acompañado de una plaquita con título y autor, automáticamente es arte.
Es decir, que un contenedor de basura en la calle, es un contenedor de basura. Pero si está dentro de un museo, y hay una placa en la que se lea “Basurero con placa – Rubén Chase”, ¿Esto es arte neobarroco? Casi. Esto puede interpretarse como la “Mierda de Artista” de Manzoni.
El verdadero arte neobarroco incluye una descripción, a cual más grandilocuente, que incluya palabras tales como “subversivo”, “relación”, “pliegues”, “paso del tiempo”, etcétera. Cuanto menos diga en mayor espacio de texto, mayor es el potencial artístico de la obra.
¿Entonces Qué Hacen Los Artistas?
Los artistas justifican este movimiento alegando que lo que se te “vende” es la idea, y no la obra en sí, que no deja de ser un “resto” de la misma. Básicamente, que si tiene un texto al lado, todo vale.
Como idea de “el paso del tiempo”, recurrente donde las haya, puede valer un coche destrozado, una lata oxidada, o simplemente dejar la sala vacía, como el culmen del éxtasis artístico y la vagancia.
También dicen que este movimiento es por y para artistas. Y que si no lo entiendes, es tu culpa como público. Algo así como la versión cultureta del “pues haber estudiao”.
Se separan así de la raíz misma del arte, que es una forma de conexión con el espectador, una comunicación más allá del lenguaje hablado o escrito. Y defienden además que si no entiendes el lenguaje, eres tú el problema.
Digamos que el arte renacentista es el profesor de primaria, que sabe mucho más que tú (técnica y entendimiento de las estructuras), y te explica sus contenidos sin caer en tecnicismos. En el otro lado, el arte neobarroco es el alumno pedorro de tu facultad, que cree saber más que tú por explicarse con palabras complejas, y te mira por encima del hombro.
Como ejemplo, vamos a poner a Richard Prince. Su mayor obra es vender capturas de pantalla del instagram de otros artistas, por cifras ridículamente altas. No estoy de coña.
También os propondré que busquéis a Damien Hirst (Más de 100 millones de Libras inglesas vendidas por un cadáver de tiburón conservado en formol. El título de la obra es “La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo“. Con un par.)
¿Vale, y Qué Pinta la Fotografía en todo esto?
La fotografía es un medio relativamente reciente, y sus primeras manifestaciones en los museos de arte son pura fotografía técnica, paisajes, modelos para ser pintados en lienzo, etcétera.
Placas de vidrio enormes con emulsiones de plata, papeles a la albúmina, cianotipos… Todo con una calidad asombrosa. Podéis entender mi emoción cuando veía aquello dentro de un museo. Realmente era impresionante.
Pero ahora, justamente ahora, la fotografía empieza a explorar las corrientes contemporáneas artísticas. Y se ha metido de lleno en el neobarroquismo, creando imágenes muy “sugerentes”. Esta palabra está sembrada en las descripciones del 90% de la fotografía contemporánea.
¿Cómo son estas fotografías sugerentes? Por lo general en escala de grises, trepidadas, desenfocadas, y con ruido. Una combinación de al menos dos de estas características.
Pero hay una característica impepinable si quieres ser un fotógrafo contemporáneo de galería: Tienes que imprimir grande, muy grande. Exagerada y recargadamente grande. Muy barroco todo. (Esto es un chiste interno, para relajar tensiones).
Ojo, ojo, ojo. Esa chica de ahí mide 1.70. Prometido.
Lo que significa esto en términos puramente prácticos es que las obras son caras de producir, por su puro tamaño. Si eres pobre, da igual el talento que tengas, no puedes ser artista. A menos que recibas una subvención de dinero público por lo sugerente de tu obra. Dinero que sale de los bolsillos de la gente común, a la que rechazas y tratas de ignorante en tus discursos de artista incomprendido.
Tengo que aclarar aquí que yo soy fotógrafo, técnico y artístico. Trabajo en publicidad, y tengo mis propios proyectos personales. Y tengo una firme creencia:
“Si una obra de arte la tienes que explicar, es que algo estás haciendo mal”
Pido perdón por lo controvertido del artículo. A fin de cuentas, solo soy un ignorante.
